Prima di parlare del film, devo per forza dire due cose.
Sono due i film che mi hanno fatto amare il cinema in maniera così viscerale. E no, non elencherò nessuna pellicola di Jodorowsky o di Bunuel, perchè francamente, chiunque dica di aver amato il cinema guardando Antonioni o Godard o registi di questo tipo, beh, è semplicemente un gran bugiardo (o una persona davvero disturbata).
Io ho capito che il cinema fosse arte guardando proprio I predatori dell'arca perduta.
Ho avuto i brividi ascoltando John Williams, ho tremato davanti agli inseguimenti, alla nuova idea di montaggio, allo spettacolo assoluto che Spielberg mi ha regalato. Quindi per me, personalmente, questo quarto episodio è qualcosa di più di un semplice film, è come un ritorno alle origini, è come la riscoperta dei motivi che mi hanno portato ad essere ciò che sono.
La seconda cosa riguarda le recensioni: se c'è una cosa che odio è distruggere un film. Ma soprattutto distruggere l'idea, le aspettative, il clamore e l'attesa di vedere un film: chi ama davvero il cinema si nutre di queste cose, si nutre dell'attesa, della coda alla biglietteria, delle luci che si spengono prima della proiezione, del silenzio. E siccome Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo è uno dei film con una base di fan più ampia in assoluto, invito chiunque non l'abbia visto a non leggere questa recensione.

Detto questo, cominciamo.
Indiana Jones 4 è un film spaccato a metà. Anzi, la spaccatura arriva verso i 3/4 del film.
Prima dei venti minuti finali infatti, il film è assolutamente adorabile. E' caciarone, giocattoloso, divertente, pieno di battute spiritose, pieno di effetti visivi funzionali, inseguimenti clamorosi (strepitoso l'inseguimento nella foresta amazzonica: 10 minuti di meraviglia), momenti talmente over the top come solo Indiana e Co. possono permettersi.
La trama è poca cosa sinceramente: c'è poca storia, i comunisti al posto dei nazisti, i russi al posto dei tedeschi, la guerra fredda al posto della seconda guerra mondiale. Niente di esaltante, il soggetto è sicuramente inferiore a quello dei tre capitoli precedenti (forse al pari con il Tempio maledetto). Ma del resto, non si va a vedere Indiana Jones per essere istruiti, nè per apprendere, nè per essere coinvolti dal plot: si guarda Indiana Jones per cavalcare l'avventura. Punto.
E la prima ora e mezza è vera avventura: il prologo con la bomba atomica, l'apparizione di Shia LaBeouf e l'inseguimento in città, la straordinaria parentesi amazzonica. Gli effetti visivi sono splendidi e divertenti, le battute sono sempre al posto giusto, qualche lungaggine di troppo.
Quello che funziona poco sono sinceramente i personaggi di contorno: Karen Allen è piuttosto superflua, cioè, è carino rivederla in scena ed sfido chiunque a non trovarla adorabile, è solo che la sua è una parte davvero superficiale, una specie di macchietta che non ha vera ragione. Così anche per Shia LaBeouf SPOILER che poi scopriremo essere il figlio di Indiana Jones, e probabile prosecutore del franchise di Indiana Jones FINE SPOILER, e soprattutto per il villain di Cate Blanchett, personaggio già di per sè piuttosto sciocchino, ma ucciso letteralmente dal doppiaggio italiano.
Harrison Ford, grazie ai filtri sull'obiettivo e ad un lavoro sull'immagine che sarà costato quanto un'ora e mezza di effetti speciali, è un vero fico, e per vero fico intendo che me lo farei. Non ero particolarmente propenso a far resuscitare questa icona cinematografica, perchè vedere un eroe invecchiato è una delle cose più tristi in assoluto. Con il senno di poi, posso dire che ancora ha qualche carta da giocare questo vecchietto.
Insomma, la prima ora e mezza è spettacolo, è quello spettacolo che mi aspettavo.
Veniamo poi al cataclisma, gli ultimi venti minuti.
Io so che Spielberg ha dei problemi con i finali: Salvate il soldato Ryan, AI, La Guerra dei Mondi, The Terminal.. Spielberg sembra incapace a dirigere dei the end, sbrodola, sbrodola come un labrador affamato. E qui uguale, la fine di Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo è quasi atroce. Dove volesse andare a parare, io l'avevo capito già dopo mezzora di film: iniziano a suonare i miei campanelli d'allarme, e ahimè, ho fatto centro. Ma non sono un genio neh, se conoscete Spielberg, sapete benissimo quale sia uno dei suoi punti deboli.
Ed è un vero peccato. Troppo uso di CGI, che per un prodotto come Indiana Jones è una vera bestemmia, troppa inverosimiglianza non gustificata, troppo insensatezza, buchi di sceneggiatura, un delirio audio-visivo che non ha giustificazioni. Nel tentativo di non deludere i fans hanno pompato il film oltre la sua capienza: e per questo, senza alcun controllo, il film deborda.
E distruggere i venti minuti finali di una pellicola significa far dimenticare quanto di bello c'era nella prima ora e mezza.
E la bella, luminosa fotografia del fedele Janusz Kaminski non fa nulla, non può nulla contro l'ego esagitato di un regista che ha dimenticato come fare un bel film artigianale.
C+

Avrei voluto scrivere la recensione de L'altra donna del re, ma francamente non ho voglia. Cioè, è domenica sera e l'ultima cosa a cui penso è scrivere a proposito di un film che non sfigurerebbe nel ciclo Donne al bivio - Dossier di Rete4 (comunque a chi interessa, C-).
Comunque il weekend in famiglia passato a raccogliere le mele in campagna è andato benissimo, a parte il fatto che non è stagione di mele ma solo di bacarozzi che si precipitano a pioggia sulla tua testa ad ogni folata di vento. Ma gli insetti sono solo dettagli, perchè in verità io amo la campagna come Amy Winehouse ama il crack.
Il fatto è che io ho un ideale di vita molto amish: fosse per me passerei il tempo ad arare i campi, piantare la cicoria, fingere di vivere nel 1860, ciulare con i parenti, e mettere sulla forca gli extracomunitari.
Penso che non esista al mondo uno stile di vita più bello, sano e gratificante.
In ogni caso il ritorno alla vita cittadina è stato abbastanza traumatico, e per traumatico intendo che oggi domenica 4 maggio mi sono svegliato con la febbre, l'herpes, il cagotto, il mal di gola, praticamente mi manca solo l'alluce valgo e poi potrei benissimo andare a dondolarmi sul campanile di Notre Dame lamentandomi di quanto per noi sgorbi è dura la vita.
A domani.

Suona così ovvio innamorarsi di un film di cui tutti si sono già innamorati nel resto del mondo.
E vi assicuro che farei qualsiasi cosa pur di non apparire ovvio.
Eppure, Juno di Jason Reitman (regista del dimenticabile Thank you for smoking) è quel gioiello che tutti già diamo per vincente. C'è poco da fare, c'è poco da resistere o da fare gli snob, questo film è una pietra preziosa, è una rara BigBabol all'uva, quelle viola, quelle che non si trovano più in commercio, quelle che ti fanno tuffare in un lago profondo di ricordi e di emozioni.
Per Juno MacGuff, tutto comincia con una poltrona.
Per noi spettatori, tutto inizia con i titoli di testa più pop e naif da 10 anni a questa parte. Sta a te scegliere da che parte stare: guardare la storia all'altezza dei suoi protagonisti, o ergersi a giudici.
E vi assicuro che la prima opzione è quella più divertente.
Perchè il dubbio c'è e mi rimane: a voler usare troppo la testa, qualcosa che non mi ha completamente soddisfatto riesco a trovarla anche in questa pellicola.
Innanzitutto, il film sembra molto un bigino dal titolo "Crea anche tu il tuo film indipendente e carino che abbia un appeal anche commerciale da grande pubblico": c'è praticamente tutto quello che ci dev'essere in un'operazione del genere.
Colori pop: check.
Personaggi stralunati che parlano in maniera simpatica/volgare: check.
Famiglia disfunzionale: check.
Scorrettezza: check.
Musiche alternative di gruppi fashion: check.
Stramberia generale: check.
Insomma, alcune cose del film (vedi ad esempio il telefono-hamburger) urlano fiction da ogni fotogramma e risultano alla fine del tutto non-necessarie, ma quello che c'è di buono è che la generale genuinità e sincerità della pellicola non viene lesa, ma al contrario, trova una dimensione tutta sua, che sembra appartenere quasi unicamente a questo film.
Un altro problema, se proprio dobbiamo fare gli stronzi fino in fondo, sta forse nella sceneggiatura da premio Oscar di Diablo Cody. Le battute fanno sempre centro, i dialoghi sono una bomba, e i rapporti tra i personaggi hanno un'umanità che raramente viene dipinta con questa grazia, eppure il film risulta spesso iper-parlato in una maniera non totalmente autentica. Due parole che renderanno immediatamente cristallino il mio discorso: Dawson's Creek (ok, tre parole..). La differenza fondamentale sta nel fatto che se Joey Potter parlava come se avesse letto Jung e Kant fin dalla tenera età, Juno al contrario parla come una sedicenne dei nostri giorni (parla un pò come me, mette tipo in ogni frase, è la mia eroina!). Ma in entrambi i casi la sceneggiatura risulta iper-mobile, eccessiva, troppo artistica ed artificiale per risultare autentica, pura.
Ok, ora smettiamola di fare gli stronzi ed arriviamo al sodo: Juno è nella mia top 5 dei film più belli che ho visto quest'anno. I personaggi sono sinceramente l'anima del film, sono la sua arma vincente: è letteralmente impossibile non provare un'immediata empatia per ciascuno di loro.
Ellen Page è sensazionale: presente in praticamente ogni singola inquadratura, porta sulle sue spalle l'intero peso del film, con un range interpretativo ampio e perfettamente maturo. Il doppiaggio italiano sicuramente impoverisce la ricchezza verbale del suo personaggio, ma nonostante questo il suo personaggio rappresenta esattamente quello che significa l'adolescenza, ovvero ricerca di un'identità.
Adorabili i suoi genitori, soprattutto la matrigna Allison Janney: sua una delle sequenze più esilaranti e da applauso della pellicola (quella durante l'ecografia). Ma di incredibile spessore la prova di Jennifer Garner nel ruolo di una madre sterile alla ricerca del suo "primo" figlio adottivo: non mi sarei mai aspettato da lei una prova così sincera, spaccacuore e intensa. Bravissima.
Quello che conta in Juno sono sicuramente i rapporti tra i personaggi.
Io non sono molto uno che guarda alla morale del film perchè essenzialmente penso che non debbano essere i film ad insegnarci le cose, o a farci pretenziose lezioni etiche, ma se proprio dobbiamo trovarne una, suppongo che la troveremo là, nei rapporti, nell'umanità che esiste tra le persone.
Il fatto è questo: l'uomo è solo, come si dice in About a boy, l'uomo è un'isola. E Juno sembra volerci ricordare una cosa che troppo spesso dimentichiamo: che la fiducia negli altri è l'unica cosa che davvero può salvarci. Può essere tradita, infranta, ricercata, abbandonata, solida, traballante: ma l'unico modo per vivere le nostre vite è la consapevolezza che negli altri possiamo sempre riporre le nostre speranze, il nostro amore, la nostra fiducia.
E poco importa che tu sia brutto o bello, ricco o povero: una persona che ti ama davvero, ti vedrà sempre cagare rose.
Correte a vederlo.
A-

Solitamente le premesse vengono fatte da chi intende mettere le mani avanti, e questo, devo ammetterlo, è uno di quei casi. 1) non ho mai amato i film dei Coen, troppo gelidi, cinici, una regia troppo costruita, uno stile narrativo che non mi ha mai conquistato (e mi ha lasciato inorridito nel caso delle commedie); 2) ho visto il film allo spettacolo dell'01.20. Di notte.
Un'esperienza raggelante, onirica, distruttiva.
Eppure Non è un paese per vecchi rimane un ottimo film.
La prima cosa che colpisce lo spettatore è la potentissima fotografia di Roger Deakins: epica, comunicativa, limpidissima, il film deve moltissimo a questa, alle sue strade notturne deserte, alla natura siderale, alle città ipermoderne ed aliene. La realtà che ci viene mostrata è quella di un paese in cui non esiste la giustizia, dove il male non solo ha campo libero, ma risulta essere l'unico assoluto protagonista della nostra società, e delle nostre vite. La violenza è gelida e mai compassionevole (voglio il fucile ad aria compressa, l'arma più cool dell'anno), la famiglia non esiste se non nella sua stessa caricatura. E' abbastanza curioso che un film così lontano dai gusti dell'Academy e generalmente dagli interessi del pubblico abbia ottenuto così tanto (Oscar e incassi).
La regia costruisce un impianto narrativo ellittico, tempi dilatatissimi, sequenze tronche, fino ad arrivare a quell'infamissimo finale che per molti è geniale, per altri semplicemente pretenzioso e artificiosamente d'autore. La narrazione è concreta, terrestre, solida, ma è nei dialoghi e nelle aperture che i Coen rischiano di perdersi: il loro è un cinema morale e para-filosofico che usa i punti interrogativi come armi contundenti. La sfida è sopravvivere.
I fratelli Coen hanno uno stile ben preciso, di non facile lettura: molti interpretano questo come un loro punto di forza, ma a tratti si ha la percezione che alcune scelte di regia siano fin troppo costruite e ricercate, scelte imposte aprioristicamente per far gridare all'autorialità.
Ma se c'è una cosa in cui i due fratelli eccellono è la direzione degli attori. Di Javier Bardem se n'è parlato fino allo svenimento (e conseguente Oscar come non protagonista): effettivamente un'interpretazione intensissima, ma soprattutto la capacità di creare da zero una nuova icona del terrore (il primo omicidio è una delle cose più terrorizzanti che io abbia visto quest'anno). Ma è Josh Brolin ad avermi impressionato: grandissimo. Un anti-eroe dipinto con un amore e una cura da grande attore: spero davvero che lo facciano lavorare più spesso, geniale. Notevoli anche tutti gli altri, da Tommy Lee Jones a Kelly McDonald a Woody Harrelson, i Coen sanno decisamente come orchestrare il lavoro di gruppo.
La sceneggiatura tratta dal romanzo di Cormac McCarthy (sempre ad opera del duo di registi) è intensa ed enigmatica, così criptica in alcuni momenti (e qui torniamo al fatidico finale) da lasciare adito a qualche dubbio di troppo. Interessante, epica, quasi western nei suoi schemi: sicuramente da rivedere e riascoltare. Tecnicamente un film eccellente, e molto curiosa l'idea di ridurre al minimo indispensabile l'accompagnamento musicale.
Non è un paese per vecchi è insomma un buon film, che probabilmente lascia più dubbi di quanto davvero intenda: programmaticamente criptico, il film incuriosisce e certamente affascina, ma corre il rischio di stufare lo spettatore, annoiarlo, peggio ancora, lasciarlo indifferente.
Sinceramente mi risulta difficile giustificare 4 premi Oscar, ma ripeto, io non riesco ad interfacciarmi con le storie morali dei Coen. Curioso, interessante, e sicuramente di notevole spessore.
Il tempo probabilmente mi darà maggiori risposte.
B

Come videoclip di 4 minuti sarebbe stato un capolavoro.
Come film, è la più grande porcheria dell'anno. E soprattutto, Hayden Christensen è tanto così da diventare il nuovo Orlando Bloom. Terribile.
E

Tim Burton non è mai stato così triste, cattivo e serio.
Con Sweeney Todd, Tim Burton è diventato finalmente grande, possa piacere o no al suo pubblico. Sembra quasi che abbia raggiunto quella maturità che stava cercando ormai da qualche anno, quella maturità che in maniera fallimentare (so di occupare una posizione particolarmente impopolare) aveva cercato di conquistare con il deludentissimo Big Fish.
Innanzitutto ci troviamo di fronte ad un genere che gli è particolarmente congeniale (pensiamo alle sue creazioni animate, forse il vertice della sua filmografia), è questo sicuramente gli è servito: Sweeney Todd difatti è un musical puro. E' chiaro che la distribuzione e il marketing hanno ancora paura di commercializzare il film per quello che è: dal brusio e il ridacchiamento generale che c'era in sala, scommetto che l'80% non aveva idea di vedere un film musicale.
Alle prese con un genere ben preciso, e soprattutto con un adattamento teatrale, Tim Burton riesce a controllare più facilmente il suo incredibile universo poetico facendo un film ben più compatto e coeso del solito: la fantasia non è più sfrenata, l'orchestrazione dei vari elementi è ben più salda e composta, la struttura meglio articolata.
Le sequenze musicali si susseguono senza pausa una dopo l'altra, e nonostante manchi un vero pezzone memorabile che si stagli sul resto, nel complesso risulta davvero piacevole, ben scritto e decisamente unico. E' difatti un musical atipico, vuoi per il tono gotico, vuoi per la storia para-horror, vuoi per la praticamente totale mancanza di coreografie.
Paradossalmente, un film dalle corde e tonalità così burtoniane, a conti fatti sembra essere il film più diverso e lontano dal resto all'interno della filmografia del regista: non è fiaba, non è malinconico, non è fanciullesco nè innocente.
Tecnicamente, la pellicola è splendida.
La fotografia di Dariusz Wolski è scurissima, cromaticamente incantevole, dove il sangue è così esplicitamente poetico nella sua cromia appiccicosa e leccatissima; le scenografie di Ferretti conquistano, anche se l'uso della CGI lo trovo personalmente eccessivo; infallibile la costumista Colleen Atwood: da Oscar.
Quello che colpisce durante la visione del film è l'evidente serietà e tristezza che trasuda da ogni immagine: questa non è più la malinconia burtoniana, questa è vera e propria disperazione, che non dimentica e non perdona, che stringe il cuore.
Johnny Depp azzera ogni sentimento, ed è sublime, perfetto, di una versatilità imbarazzante: non sono certo il suo più grande fan, ma nella sequenza in cui impugna per la prima volta i rasoi devo ammettere che un brivido è sceso lungo la mia schiena. I maggiori problemi li ho avuti con Helena Bonham Carter nel ruolo di Mrs. Lovett: il suo è senza dubbio il personaggio migliore, quello che fondamentalmente è il vero cuore drammatico del film, una protagonista in seconda (chiunque ama senza essere amato è per legge il cuore drammatico di una storia). Ma secondo me la scelta dell'attrice (compagna del regista) è forzata, per un personaggio che avrebbe meritato più sfumature e una dose minore di follia ed eccentricità. La Bohnam Carter è un'attrice meravigliosa, ma è troppo una macchietta per un ruolo così corposo e di sostanza.
Altri problemi per il casting li ho avuti per alcuni ruoli secondari, da Johanna ad Anthony, poco incisivi o di spessore. Menzione speciale invece per Sacha Baron Cohen: il suo Adolfo Pirelli è una gemma, grandioso.
Il film è incredibilmente dark e macabro, la cosa più horror che Burton abbia mai fatto, è quasi spiacevole, sorprendentemente disgustoso e di non facile digestione, ma è proprio questo il suo punto di forza, la sua unicità. L'incredibile pessimismo di fondo lascia il segno: ogni personaggio sembra quasi destinato a rimanere infelice per sempre: non a caso l'unico momento di luce del film è un sogno, una speranza. Interessanti ma (forse giustamente) poco approfondite la critica al consumismo e alla società di massa: "l'uomo che mangia l'uomo" è una tematica così ampia e profonda che probabilmente avrebbe destabilizzato il senso stesso della pellicola.
Sweeney Todd è un film destinato ad essere riscoperto nel tempo: per ora il Burton cresciuto fa davvero tanta paura.
B+

La sceneggiatura è piuttosto sciocchina, i personaggi sono bidimensionali e poco sviluppati, la storia non ha assolutamente niente di nuovo (qualcuno lo definirebbe "un classico"), eppure Cloverfield rimane un film come nessun altro, è qualcosa che non avete mai visto sul grande schermo prima ad ora.
JJ Abrams è un coglione, e questo lo sappiamo tutti ormai, è un grande circense, un giocattolaio che si diverte con i suoi stessi giocattoli, e il film in questione (prodotto appunto dal creatore di Lost) non è nient'altro che un grande, elefantino balocco. Non che ci sia qualcosa di sbagliato in questo, anzi, finchè dura è assolutamente divertente, a tratti fenomenale, indimenticabile in certi istanti.
Molti hanno paragonato Cloverfield a The Blair Witch Project, ma così non è.
La scelta di raccontare la vicenda attraverso l'occhio in soggettiva di una videocamera a mano accomuna certo le due pellicole (anche attraverso l'espediente del "filmato ritrovato"), ma poi le analogie finiscono qui: Cloverfield è un vero film, un motion picture, un film studiatissimo, tecnicamente assai raffinato, con una grande idea di regia (e soprattutto fotografia) alle spalle.
La cosa straordinaria è che il film è costato solo 25 milioni di dollari: probabilmente il miglior utilizzo di un budget EVER. Come abbiano fatto a realizzare certe sequenze rimane davvero un mistero, un meraviglioso mistero.
Raccontare la trama della pellicola è un crimine superfluo: non che il film riservi particolari sorprese, ma la bellezza di alcune trovate, e soprattutto l'abilità nel raccontare la storia lasciano davvero a bocca aperta.
Gli attori sono tutti eccellenti, nonostante il doppiaggio renda decisamente meno d'impatto le performance e la forza stessa del film (dovrebbe essere un documento ritrovato casualmente dalle forze dell'ordine, il doppiaggio uccide l'illusione filmica). La fotografia è qualcosa di eccezionale, lo studio dell'immagine è pazzesco, per quanto ruffiano (vedo la creatura! non è la creatura! vedo qualcosina! cos'è? non si vede! no ecco, ora vedo! non vedo più!) è estremamente coinvolgente, e non vi preoccupate, non si soffre affatto di nausea (come da più parti ho letto). Per tutta la durata del film (86 benedetti minuti) la tensione non cala un solo istante, il ritmo è sempre travolgente. La creatura stessa non è nulla di sensazionale, ma ha un look interessante e sono i suoi effetti a stupire: l'attacco iniziale è da brividi.
Ma è soprattutto la regia di Matt Reeves (esordiente della scuderia di Abrams) a lasciare di stucco: stupefacente, praticamente ha ridato linfa ad un genere considerato morto, il monster movie, qui completamente reinventato partendo dalla sua base, la paura atavica dell'ignoto. Potete contarci, così come successo all'indomani di 28 giorni dopo di Danny Boyle (che ha generato un insolito rifiorire dello zombie al cinema), dopo Cloverfield rinascerà nuovamente questo filone di serie B.
Perchè c'è poco da girarci intorno, Cloverfield è un goduriosissimo B-movie da geek.
Superficiale, bidimensionale, molto videoludico: ma davvero davvero fico.
Da vedere (anche perchè JJ Abrams lo trasformerà in un franchise con i fiocchi).
B